Gliederung der Kißlegger Ausstellung
In Kißlegg hingegen ist ein repräsentativer Querschnitt durch Wäschles Gesamtwerk zu sehen, der die ganze Bandbreite seiner künstlerischen Techniken vor Augen führt. Darunter sind ca. 60 Arbeiten auf Papier, ausgeführt in verschiedenen Radiertechniken (Kaltnadel, Chine collé, Vernis mou, Aquatinta, Carborundum), als Monotypien, flächige Kohlepastellzeichnungen, Strichzeichnungen und Pinselzeichnungen. Dazu ein gutes Dutzend großformatige Malereien auf Leinwand, Holz, Papier auf Leinwand, einige Bronzegüsse, Bronzereliefs und plastische Arbeiten in Terrakotta (mit Braunstein bemalt).

Wäschles Motivwelt
Malend und zeichnend war er existenziellen Fragen auf der Spur. Seine Kunst: ein Nachsinnen und Nachforschen mit Stift, Radiernadel und Pinsel über die Frage „Wer bin ich?“ und „Was ist der Mensch?“, vor allem der Mensch in extremen Erscheinungsformen abseits der Norm. Seine Bildthemen umkreisen Alleinsein und Entfremdung, Isolation und Eingeschlossensein ins Eigene, das Sich-nicht-mitteilen-können, Bedrohung aus dem Nichts (vgl. Kafka „Der Prozess“), Beklemmung, Leid und Leiden, das Ausweglose und das äußerliche Entstelltsein, das auch in der Seele tiefe Wunden schlägt. Das kommt vornehmlich in der Figuration zum Ausdruck: Die menschliche Figur zumeist gekrümmt, in sich gekehrt, vereinzelt, an Mumien oder Embryos erinnernd, in flächiger Darstellung ohne räumliche Perspektive, haltlos schwebend. Der Kopf als immer wiederkehrendes Motiv. Kopf und Gehirn als Sinnes-, Denk- , Steuerungs- und Nervenzentrum, als Sammelstelle von Empfindungen und Emotionen, als Erinnerungsspeicher und persönliches Archiv. Der Kopf als individuell-menschliches Kennzeichen schlechthin.
       Gleichzeitig strahlen viele seiner Bilder aber auch große Ruhe aus, laden zum Innehalten und zur Kontemplation ein, zum empathischen Verweilen. Wäschles Figuren scheinen der Zeit enthoben. Sie sprechen vom Ephemeren: der Mensch im Hinübergang, im Aufleuchten und Verschwinden, im Noch-nicht und im Nicht-mehr. Auf dem schmalen Grat, der Leben heißt. Als Grenzgänger. Der Betrachter spürt die Kraft der Stille, die den Bildern eignet, ihren Sog, ihre verhaltene Energie und ahnt ihre geheimnisvollen Gründe und Abgründe. Er ist nicht nur angerührt, sondern empfindet eine lang anhaltende, nachhaltige Wirkung, auch wenn er vieles nicht zu deuten und mit Sicherheit zu lesen vermag.

Mein Weg mit Raimund Wäschle
In mehr als einem Vierteljahrhundert habe ich Wäschle mit kritischer Sympathie begleitet und dabei sein Schaffen und Werk immer umfassender kennengelernt. In gut zwei Dutzend Ausstellungen habe ich in all den Jahren unserer freundschaftlichen Verbundenheit eingeführt. Das reichte von Ravensburg bis Heidelberg, vom oberbayrischen Issing bis Weingarten, von Augsburg bis Isny, von Tettnang bis München, von Leutkirch bis Wangen. Darüber hinaus schrieb ich zahlreiche Texte für Faltblätter, Broschüren und Kataloge.
       Wie kaum jemand sonst bekam ich bei zahlreichen Atelierbesuchen viele Bilder im Entstehen zu sehen. Wir sprachen dann über Lösungsansätze, Bildtechniken und technische Probleme, über Farben und Untergründe, zuweilen auch über seine Lieblingskollegen Günter Brus, Cy Twombly und Martin Kippenberger, über Literatur und gotische Kunst. Bei jedem Besuch gab es wie selbstverständlich neue Radierungen zu sehen. Da schien ein unerschöpflicher Quell zu sprudeln. Gemeinsam haben wir Ausstellungen und Sammlungen in Basel, Ulm, Stuttgart, Bonn, Albstadt, München und Augsburg besucht. Bis an den Niederrhein hat uns eine mehrtägige Kunstreise geführt, wo wir im Schloss Moyland die größte, legendäre Sammlung mit Werken von Joseph Beuys und in einigen Extra-Räumen Arbeiten von Wäschles Akademielehrer Rudolf Schoofs sahen. Von Schoofs war er wohl schon während des Studiums an der Stuttgarter Akademie mit Nachdruck zum Zeichnen und Radieren angehalten worden.

Radieren als Passion
Neben der Malerei hat sich Wäschle von seiner Studienzeit an mit Vehemenz dem Zeichnen und Radieren verschrieben. Wollten Künstler ehedem durch den Kupferstich und die Ätzradierung größere Auflagen erzielen, so schätzte er vor allem die besonderen Gestaltungsmöglichkeiten, die einzelne Radiertechniken boten, und den jeweils signifikanten Strich, der bei jeder Technik anders ausfällt. Ihm gelangen in diesen aufwändigen Tiefdruckverfahren großartige Einzelblätter und zahlreiche Serien. Virtuos handhabte er auch die Kombination verschiedener Verfahren zur Bildgewinnung auf einem Blatt. Dabei arbeitete er vorzugsweise in Serien, um so eine Thematik vielseitig auszuleuchten und umfassend auszuschöpfen. Davon zeugen Mappenwerke wie „Holocaust“, „Wolfgang Borchert“, „shunt“, „Moulage“, „Twins“, „via crucis“, „Kruzifixe“ (zu sehen im Ulrichspark Kißlegg im Zugang zur Hauskapelle). Manche dieser Serien umfassen bis zu 40 Einzelblätter.

Mal- und Zeichengründe
Wäschle verwendete Papiere mit unterschiedlichsten Eigenschaften als Mal-, Zeichen- und Druckgründe. Insgesamt sind mehr als 90% seiner Arbeiten auf Papier ausgeführt. Papier war für ihn Gestaltungsmittel und Bildfaktor. Zur Stabilisierung ließ er Papierarbeiten manchmal später auf Leinwand aufziehen. Dass Manches auf Papier weniger lange haltbar sein würde, kümmerte ihn wenig. Er liebte die Verformung des Papiers beim Bemalen, das unterschiedlich intensive Ansammeln dünnflüssiger Farben auf den Bögen beim Trocknen. Die vielen kleinen Zufallsergebnisse wusste er gekonnt in die Gesamtkomposition miteinzubeziehen. Seine Radierungen druckte er zumeist auf dem festen, widerstandsfähigen Zerkallbütten.

„Ich will mit meiner Kunst die Leute nicht unterhalten.“
So äußerte sich Wäschle immer wieder entschieden. – Es geht angesichts dessen, was wir in dieser opulenten Ausstellung rings um uns haben, nicht ums oberflächliche Gefallen, sondern um die Wahrhaftigkeit der Bilder. Die Frage heißt: „Bin ich durch diese Kunst angesprochen, angerührt, vielleicht sogar aufgewühlt und gepackt? Trifft und betrifft sie mich“ Oder wie der bekannte Museumsleiter Werner Schmalenbach es einmal formulierte: „Denn was will denn die Kunst? Sie wird doch nicht hergestellt, damit sie begriffen wird, sondern damit man in irgendeiner Weise von ihr ergriffen ist.“
       Starke Kunst weckt Emotionen. Ihre Bildsprache lässt uns nicht kalt. Sie bringt vielmehr etwas in Bewegung in uns. Wir müssen nur den Mut und die Offenheit aufbringen, das zuzulassen.

Anmerkungen zu einigen exemplarischen Bildern

Nietzsche, Nr, 20, 21, 22
Um die dreißig Blätter umfasst die Serie „Nietzsche“ mit Zeichnungen, Gouachen und Monotypien. Wäschle ließ sich dazu vor allem von der Gips-Büste des Philosophen inspirieren, die Otto Dix wohl um 1914 geschaffen hatte und die als verschollen gilt. An Nietzsche faszinierte ihn das Rauschhafte, Dionysische, das für Aufbäumen und Schöpfungsdrang steht, aber auch für Zerstörung und Untergang. Der Wucht von Nietzsches Gedanken stellte Wäschle mit dieser Serie ein starkes bildhaftes Äquivalent entgegen.

Kruzifix nach Cimabue, Nr. 31
Cimabue, Lehrmeister von Giotto, war Maler und Mosaikkünstler, geb. 1240 in Florenz, gest. 1302 in Pisa. Er brach mit dem Formalismus der byzantinischen Tradition und gilt als einer der Väter der Renaissance. Seine Rezeption der gotischen Malerei aus Nordeuropa war von großem Einfluss auf die Malerei des 14. Jahrhunderts. Giorgio Vasari verfasste die erste Biographie des Malers. Er beschrieb ihn als stolz, hartnäckig, hochmotiviert und entschlossen, das zu tun, was er für richtig hielt. Wäschle ließ sich immer wieder anregen von den Meistern der Gotik und Renaissance, verwendete einzelne Bildzitate aus ihren Werken und band die Neuerungen von ehedem verwandelt in seine Kompositionen mit ein. Ein Beispiel dafür ist das 1966 im Hochwasser von Florenz schwer beschädigte, auf Holz gemalte Kruzifix von Cimabue. Die Darstellung der Christusfigur darauf gab der florentinische Maler erstmals in leichter Verwindung und geringer Abweichung von der Frontalansicht. Solche Neuerungsschritte spürte Wäschle auf und nahm sie in seine Bildsprache auf. Mit der Schwärze des Bildes und seiner vereinfachten Figuration kommt auch die Trauer über den Verlust eines großen Kunstwerks zum Ausdruck.

Heilung der Blutflüssigen, Nr. 32
Matth. 9,18-22; Mark. 5,25-34; Luk. 8,43-48: Der Herr Jesus war auf dem Weg zum Synagogenvorsteher Jairus, dessen Tochter im Sterben lag. Die Volksmenge umdrängte Ihn. Eine blutflüssige Frau berührte Ihn heimlich und wurde augenblicklich geheilt. Der Herr heilte nicht nur ihren Leib, sondern kümmerte sich auch um ihre Seele. Er half ihr, die Mauer der Menschenfurcht zu durchbrechen und zu innerem Frieden zu finden. – Die Frau litt zwölf Jahre unter Blutfluss. Nach dem Gesetz Moses war sie unrein und beständig vom Gottesdienst ausgeschlossen (3. Mo 15,31). Ihre sozialen Kontakte dürften sehr rar gewesen sein, da sie durch den Blutfluss alles in ihrer Umgebung verunreinigte (3. Mo 15,25–27). Niemand konnte ihr helfen. Sie hatte die Station „Hoffnungslosigkeit“ erreicht. Doch dann hört sie von Jesus und macht sich auf, Ihn zu sehen (Mk 5,27). Das Leiden der Frau symbolisiert Wäschle mit einem großen Kreuz, ihre Heilung durch das aufgebrachte Blattgold in der Mitte. Die scharfen, formkonturierenden Schnitte in den hölzernen Maluntergrund weisen auf die langjährigen Schmerzen und Qualen der Frau. Das Kreuz steht aber gleichermaßen auch für Jesus, dessen Blut fließen wird und der den Tod in Leben zu wandeln vermag.

Direktätzung, Nr. 40
In seinen letzten Schaffensjahren hat Raimund Wäschle den verschiedenen Radiertechniken noch ein weiteres Druckverfahren hinzugefügt, die Ätzung auf Aluminium-Offset-Druckplatten ohne die Aufbringung eines schützenden Firnis. Die leicht gefärbte Säure trug er mit dem Pinsel direkt auf die waagrecht liegende Platte auf und ließ die Säure einwirken. Der Druck von diesen flächig geätzten Platten gestaltete sich überaus schwierig. 

o. T., Nr.76 und 77
Die beiden großformatigen Kohlepastellzeichnungen auf gelbem Papier stammen aus einer fünfteiligen Reihe, die Wäschle 1997 eigens für die Ausstellung im Neuen Schloss Kißlegg gefertigt hatte. Die Figuren schweben gleichsam im Bildraum, scheinen abgeschieden von der Welt, allem Lauten, allem geschäftigen Treiben enthoben und strahlen große Ruhe aus. Mit ihrer feinsinnigen Verhaltenheit sind sie starke Gegengewichte zu aller Hektik ringsum.

Kopf auf gelbem Grund, Nr. 74
Der Kopf als vielfältig im Werk auftauchendes Motiv ist hier in äußerster Verknappung und farblicher Askese gegeben. Nur schwarz auf gelbem Grund, so wird aus dem Kopf eine vieldeutige Metapher. Das Leben scheint aus dem Schädel zu rinnen und ins Nichts zu zerfließen, als ob der Mensch sich selbst abhanden komme. Allegorie für das Formwerden und Formvergehen, wie es die Natur fortwährend praktiziert und dem wir nicht entrinnen können.

Gekreuzigter, Nr. 73
Der Kreuzesstamm ist gar nicht dargestellt, lediglich der geschundene Körper des Schmerzensmannes. Seine Gliedmaßen werden in der Form des Kreuzes gezeigt. Durch diese Reduktion ohne jegliches Beiwerk lenkt Wäschle den Fokus mit voller Wucht einzig auf die ungeheure Tatsache: Menschen martern und töten Gottes Sohn. Sie schrecken vor nichts zurück. Das Bild: Fanal, Anklage, und stummer Protest.

o. T., Triptychon, Nr. 69
Eines der Schlüsselwerke in Wäschles Œuvre ist dieses dreiteilige Gemälde. Die ins Bild gebrachten Knochen geben das kompositorische Gerüst und zeigen gleichzeitig die Brüchigkeit dessen, was Halt geben sollte. Diese Ambivalenz bringt Spannung in die Bildanlage. Kontrapunktisch spielen Farben und Formen miteinander. Schon beim ersten Blick auf diese Malerei fällt die besondere Farbigkeit auf. Helle, fahle Gelbtöne scheinen zwischen grauen, blauen und violetten Passagen auf. Fast könnte man meinen, es handle sich um ein Glasbild. Wäschle verwendete keine Öl-, Tempera- oder Acrylfarben, sondern farbsatte Tuschen, womit er auf der Leinwand eine aquarellartige, luzide Wirkung erzielte.

Anton Schmid

Kißlegg, im September 2021

Der Beitrag Raimund Wäschle „Auf der Gegenseite des Himmels“ erschien zuerst auf Flaschnerei Huber.

Der Beitrag Klaus Prior erschien zuerst auf Flaschnerei Huber.

Von der Schönheit alter Bleche

veröffentlicht am 30. September 2024

Herbert Eichhorn

Der Beitrag In eigener Sache erschien zuerst auf Flaschnerei Huber.

 Wir möchten alle, die heute in diesen wunderbaren Bau des Flaschnermeisters Wolfgang Huber gekommen sind, aufs Herzlichste begrüßen. Leider musste Heiko Herrmann kurzfristig für den heutigen Tag krankheitsbedingt absagen. Das ist natürlich sehr schade, wenn die Hauptperson nicht unter uns weilen kann. Wir wünschen ihm alles Gute und hoffen, dass wir ihn würdig in seinem Sinne vertreten. Und lieber Wolfgang, großes Lob an dich. Einmal im Jahr lässt du uns an deiner Leidenschaft für Kunst und Ästhetik teilhaben. Vielen Dank auch an Michael für die tolle musikalische Untermalung des Eingangs gezeigten Films aus dem Jahre 1981 über die Entstehung des Bildes „Bilder wachsen“. Heiko Herrmann nimmt uns mit auf eine Schaffensreise, wir sehen Aktionen, Übergänge, Tiefen, Pausen, scheinbare Wiederholungen, aber auch das normale Leben, Statisten, Autos. Dinge, die wie die Kunst zum Leben gehören und in Heiko Herrmanns Bilder stets ihren festen Platz finden. Und zu irgendeinem Zeitpunkt scheint das Bild fertiggestellt und der Maler schließt alsbald die Tür und die Schweine quittieren dies mit zufriedener Schnüffelei. Lassen wir aber nun zu Beginn den Maler selbst sprechen: Meine Intention war von Anfang an, zu malen und zu leben. Warum ich immer noch weitermale ist, weil ich in der Malerei einen Zustand erfahre, in dem nur noch der Augenblick gilt. Mit Augenblick meine ich, dass es keine Vergangenheit oder Zukunft mehr gibt. Gewöhnlich ist man mit dem Einen oder Anderen beschäftigt und ist nie da, wo man eigentlich ist. Das gibt ein ozeanisches Glücksgefühl. Nur die Leinwand, der Pinsel und die Farben, das ist wie ein Fluss, der aus mir sprudelt. Den optimalen Zustand erreicht man, bevor man zu arbeiten beginnt, wenn man absolut ruhig ist und sein Handwerk organisiert anfängt. Die einzige Stimulanz die ich benutze ist, dass ich stundenlang das Essen knapphalte, weil dadurch Energien frei werden im Kopf, die zum Rauschhaften hinführen. Die beste Stimulanz ist die Farbe selbst, eine weiße Leinwand und genügend schöne Farbtöpfe, das animiert mich. Ich überlasse es dem Betrachter, was er in meinen Bildern und Skulpturen sieht. Die Titel der einzelnen Objekte sind nicht als Erklärung des Inhalts gedacht, sondern es sind Gedankenfetzen, die mich beschäftigen, die weder zu den Bildern hin- noch von ihnen wegführen. Aber es sind keine Kochrezepte, die einem in die Hand gedrückt werden. Sie schließen im Idealfall den Schaffensprozess sauber ab. Mein Lebensprinzip ist, dass man auf alles, was um einen herum ist, reagiert. Ich mache Kunst, die etwas abstrahlt, das der Betrachter aufnehmen kann. Am Ende muss das Bild so aussehen, als ob es hingeworfen ist und im Gegensatz zur psychotischen Kunst nichts Gequältes hat. Schönheit entsteht durch Leichtigkeit. Der Zugang zur Kunst läuft nur über Sympathie oder Antipathie. Es hat keinen Sinn sich für irgendeine Form von Kunst zu interessieren, weil man sie für interessant hält, sondern es läuft nur über den persönlichen Einstieg und den überlasse ich ganz dem Betrachter. Nachdem ich ein Bild signiert habe, beginnt die eigentliche Arbeit oder auch Freude des Betrachters, sich mit meinem Bild auseinanderzusetzen, mit ihm zu leben. Vierzig Jahre alt sind diese Gedanken aus diversen Gesprächen und sie büßen bis heute nichts an Klarheit und Substanz ein. „Das Ziel ist im Weg“. Dieser Titel der unten vor dem Eingang ausgestellten Skulptur, die zum heutigen Schauspiel weist. Sie ist die Außenstabilisatorin im positiven Sinne schlechthin. Bewegung, Stillstand, Erwartung, Akzeptanz, Chaos. Sie zeigt, wie eine Menge aktive Unruhe stimuliert und zugleich Beruhigung schafft. Der Titel ist Programm. Es ist alles in Ordnung. Hat man die Stufen nach oben erklommen, und tritt ein in den langen, schlanken flurförmigen Schlauch, so werden uns die ersten Bilder gewahr. Und ich bewege mich vorwärts, zwischen den Welten, ich gleite kopfüber in die Welt, ich will sie mir einverleiben, nicht nur einmal, diese Welt, diese kopflose Welt. Ich jongliere mit den Planeten und nur einen Schritt weiter, hänge ich nun vor ihnen, neben ihnen, an dieser hellen Wand mit meinen Brüdern und Schwestern, die mich seit Jahrzehnten auf meinen Reisen in die Galerien und Museen begleiten. Ich selbst bin das Schlanke ganz links hinten, die Nummer 21, das Chateau Rouge, ich lade nur die neugierigen Gäste in meine illustren Räume ein. Sie alle hier haben heute das Glück, zu dieser auserwählten Schar zählen zu dürfen. Es ist so voll hier, voll mit Menschen, wer hat die denn alle reingelassen? Uns sieht doch hier fast keiner, ich dachte, das sei der Sinn der Sache. 

Zumindest hängt ihr schön brav mit etwas Abstand, da hat der Wolfgang schon darauf geachtet, dass die Streithansel nicht direkte Nachbarn sind. Aber macht bitte nicht ständig Unsinn mit eurer ansteckenden Lebendigkeit und euren knalligen Farben. Die Leute sind eher ruhiges, stilles Zeugs gewöhnt. Und sie wollen ja nicht unnötig unterhalten werden. Damals, er war noch so jung, als er dich gemalt hat Bei mir, da stand er mitten im Leben, da ist so vieles feiner, klarer, präziser, ich will nicht behaupten, schöner, sinnlicher Du, du warst doch noch nie richtig lebendig, du bist die reine Routine, einfach Geldverdienen, bei mir, das ist purer Idealismus, die spontane Eingebung, ein Leben ohne Zeit. Hört ihr beide bitte auf rumzustreiten, es sind Leute hier, wir haben Besuch. Ich glaube, was Versöhnliches täte uns allen gut. Haben wir heute etwas dabei? Den Doppelten da hinten. Ein echter Schöngeist. Hat alles im Griff. Und jeder von euch hier drin konnte ja in dem Film sehen, wie eure Schwester entstanden ist. Richtig Zeit gelassen hat sie sich dabei. Und fast den ganzen Film durch schön in der Frontalen. Zur Strafe hängt sie nun drüben im Kabinett, diese eitle Bühnendiva. Manchmal weiß man ja nicht mehr, wer spricht? Bin ich es, sind es die Bilder oder spricht ein ganz anderer? Zum Glück kam der Heiko vor einiger Zeit zum Bauen, und seitdem gehen diese braunen Figuren mit uns sogar auf Tour. Von City zu City. Schön auf diesen weißen Sockeln drapiert, klug verteilt im Raum. Echte Erzieher sind das. Die wissen ganz genau, was sie zu tun haben. Schau, der Wadlbeißer, ein äußerst zäher Zeitgenosse und erst der Widerborstige, ein arger Grantler soll das sein. Naja, wir sind eben auch viele mittlerweile und dieses ständige Hin und Her der bunten Töne, im Alter braucht man es ein wenig ruhiger, das passt dann schon, dass sie ein wachsames Auge auf uns haben. Wir reden alle durcheinander hier, jetzt lass doch mal den Heiko selbst zu Wort kommen. Was soll ich denn sagen? Ihr kennt mich doch am besten. Du hast uns so schöne Namen gegeben. Willst du uns nicht deinen Gästen vorstellen? Liebe „An der Kreuzung von 2 Sonnen und 5 Wegen“, das werden sie gerne selbst übernehmen und mit euch ins Gespräch kommen. Bist du dir da sicher, reden sie nicht lieber untereinander? Keine Sorge, „Foxy Lady“, unser Publikum wurde persönlich ausgewählt, ist kunstinteressiert und dem Schönen aufgeschlossen. Sie werden euch gebührend bestaunen. 

Und ich würde jetzt sagen, das Ausstellungsbuffet ist hiermit eröffnet. 

Markus Salger

„Ein Leutkirch-Kißlegger Kunstduett“ – Doppelausstellung mit Werken von Heiko Herrmann 

Veröffentlicht: 11. Mai 2023 im Blix Kulturmagazin

Leutkirch / Kißlegg – Am letzten Wochenende wurde es mit zwei Vernissagen eröffnet, das „Leutkirch-Kißlegger Kunstduett“, wie Karl-Anton Maucher das Projekt in seiner Begrüßung in Leutkirch nannte: Die Doppelausstellung „Außenweltstabilisatoren“ mit Malerei und Skulptur von Heiko Herrmann aus über 40 Jahren, für die auch zahlreiche attraktive Leihgaben aus verschiedenen Privatsammlungen ausgeliehen wurden, überzeugt an beiden Orten.

Den Besucher erwarten gegensätzliche Ausstellungserlebnisse
Der eigentliche Clou dieses „Kunstduetts“ ist, dass zwar beide Präsentationen Werke aus den gleichen Werkgruppen zeigen – Gemälde, Arbeiten auf Papier, Keramiken und nicht zuletzt Eisengüsse –, dass den Besucher aber trotzdem zwei völlig gegensätzliche Ausstellungserlebnisse erwarten. Es lohnt sich also, sowohl nach Leutkirch als auch nach Kißlegg zu fahren. Dazu besteht die Gelegenheit bis zum 9. Juli, wenn die Präsentation in Wolfgang Hubers Schauraum und Kabinett in Kißlegg zu Ende geht. Die Ausstellung im Gotischen Haus in Leutkirch läuft dann noch bis 6. August.

Klassische Ausstellungsräume in Kißlegg
Den Unterschied machen die so gänzlich verschiedenen räumlichen Gegebenheiten aus. Beide Orte zählen sicher zu den, auf jeweils ihre Art, spektakulärsten Ausstellungsräumen, die das württembergische Allgäu zu bieten hat. Die Kißlegger Räume wurden mit großem Einfühlungsvermögen eigens für die Präsentation zeitgenössischer Kunst konzipiert und gebaut. Sie würden genauso auch in München oder Berlin Eindruck machen. Indirekt fließt das natürliche Licht an den großen weißen Wänden in die Räume. Die sind deutlich dem Prinzip des weißen Würfels („white cube“) verpflichtet als dem idealen, weil möglichst neutralen Ausstellungsraum für moderne Kunst. Hier werden in streng klassischer, aber gleichzeitig sehr großzügiger Hängung 83 Arbeiten von Heiko Herrmann präsentiert, darunter auch viele großformatige Gemälde.

Inszenierung in historischen Räumen in Leutkirch
Ganz anders die Situation im Gotischen Haus. Bei der Sanierung wurden die beiden heute für Ausstellungen genutzten Geschosse bewusst sozusagen in einem Rohzustand belassen, der die Lebensspuren aus über fünf Jahrhunderten bewahrt. Bohlenwände, malerische Reste von Putz, ja selbst alte Tapeten geben den Räumen einen starken Eigencharakter. Hier haben die Ausstellungsmacher konsequenterweise die Zwiesprache zwischen Heiko Herrmanns Arbeiten und den unterschiedlichen Räumen regelrecht inszeniert. Die Einzelwerke bekommen sehr viel Raum. Manchmal leistet man sich sogar den Luxus, in einem Raum nur ein einziges Kunstwerk zu präsentieren. Besonders beeindruckt zum Beispiel die Stube mit der gerade mal 40 Zentimeter hohen, glänzend glasierten Keramik „Roter Kopf“.

Die Arbeitsweise des Künstlers
Bei der Eröffnung in Leutkirch gewährte Heiko Herrmann im Gespräch mit Otto Schöllhorn vom Galeriekreis interessante Einblicke in seine Arbeitsweise, die er mit dem Feuermachen verglich. Erst bringe er das „Gerümpel“, also die Farbe, spontan auf die Leinwand, dann greife er ordnend ein, schaffe Formen und Strukturen, die er dann aber oft wiederholt übermale. Wenn ein Werk etwas abstrahlen könne, sei es schließlich fertig, zünde gewissermaßen. Es erhalte dann seinen Titel, der aber in der Regel nicht viel erklärt. Dann ist der Betrachter gefragt, denn ohne diesen gibt’s keine Kunst, so Herrmann Tatsächlich entdeckt man als Besucher Gemälde wie etwa „Große Mutter“ oder „Wiedehopf“, in denen Formen und Strukturen dominieren. Man erkennt Reste von Gegenständen, ohne dass hier freilich eine Geschichte erzählt werden soll. In anderen Arbeiten ist die Malerei an sich das eigentliche Thema. So bestimmen etwa in dem Großformat mit dem schönen Titel „An der Kreuzung von 2 Sonnen und 5 Wegen“ die malerische Aktion und die Spuren wiederholter Übermalungen den Gesamteindruck. Heiko Herrmanns Vorgehensweise bedingt natürlich auch die häufig gebrochene Farbigkeit der Gemälde. Reine Farben sind eher selten.

Von München in die Oberpfalz
Heiko Herrmann, der 1953 in Schrobenhausen geboren wurde, hat an der Münchner Kunstakademie studiert. In den siebziger Jahren gehörte er zusammen mit u.a. Heimrad Prem und Helmut Sturm zur Münchner Künstlergruppe „Kollektiv Herzogstraße“. Rege politische Diskussionen und gemeinsames Arbeiten im Kollektiv passten damals in die Zeit. Seit 1991 arbeitet der Künstler vor allem in einem Dorf in der oberpfälzischen Provinz. Seither beschäftigt er sich auch mit Plastik. Zunächst entstand, quasi als Zwischenstufe zwischen Malerei und Plastik, Keramik, die er bemalte und von der die Ausstellungen einige wenige schöne Beispiele zeigen.

Eisengüsse in verlorener Form
Seit 2006 entstehen nun kleine Skulpturen in Eisenguss. Hier geht der Künstler tatsächlich von Gerümpel aus, konkret: von Verpackungsmaterial wie Wellpappe und vor allem Styropor. Daraus montiert er die Gussformen, die in dem archaischen Verfahren der verlorenen Form mit Schamott ummantelt werden und schließlich quasi verdampfen. So entstehen Arbeiten, die einen ganz anderen Ton anschlagen als die Gemälde. Das hat zunächst mit dem einheitlichen Rostrot des Materials zu tun, das zudem eine schöne samtige Oberfläche aufweist. Auch meint man in den Eisengüssen, die den zweiten Schwerpunkt der beiden Ausstellungen ausmachen, geradezu klassische Konstellationen der europäischen Bildhauertradition zu erkennen. Die stehenden, sitzenden und liegenden Figuren und Figurengruppen scheinen über Künstler wie etwa Henry Moore zurück bis in die Antike zu verweisen. Das Nebeneinander von Heiko Herrmanns energiestrotzenden Gemälden mit den stilleren, fast schon klassischen Skulpturen des Künstlers – und beides präsentiert in so außergewöhnlichen Räumen – macht den besonderen Reiz des diesjährigen „Leutkirch-Kißlegger Kunstduetts“ aus. Bei der Eröffnung der Leutkircher Ausstellung bedankte sich Heiko Herrmann vor allem bei Wolfgang Huber. Wie ein unermüdlicher Prinz Eisenherz habe dieser als Initiator und Ermöglicher maßgeblich zum Gelingen dieses rundum überzeugenden Ausstellungsprojekts beigetragen.

Text: Herbert Eichhorn

Der Beitrag Heiko Herrmann erschien zuerst auf Flaschnerei Huber.

23. April bis 5. Juni 2022 Kißlegg

Der Beitrag Friedemann Grieshaber erschien zuerst auf Flaschnerei Huber.